Aquarelle – Wikipedia aquarelle paris

Type de méthode de peinture utilisant des solutions à base d'eau

Un artiste qui travaille l'aquarelle avec un pinceau rond

aquarelle (Anglais américain) ou aquarelle (Anglais britannique; voir différences orthographiques), aussi aquarelle (Français, diminutif de latin aqua "eau") est une méthode de peinture dans laquelle les peintures sont constituées de pigments en suspension dans une solution à base d’eau. aquarelle fait référence à la fois au support et à l'œuvre d'art résultante. Les aquarelles peintes avec des encres colorées solubles dans l'eau à la place des aquarelles modernes sont appelées "aquarellum atramento" (latin pour "aquarelle à base d'encres") par des experts. Cependant, ce concept est devenu de plus en plus contourné.[1][2]

Le traditionnel et le plus commun soutien– le matériel utilisé pour la peinture – pour l'aquarelle est du papier. Papyrus, papier-écorce, plastique, vélin, cuir, tissu, bois et toile sont d’autres supports.[3] Le papier aquarelle est souvent entièrement ou partiellement fabriqué avec du coton.[4] Cela donne à la surface une texture appropriée et minimise la distorsion lorsqu'il est mouillé.[5] Les aquarelles sont généralement translucides et semblent lumineuses car les pigments sont déposés dans une forme propre avec peu de charges qui masquent les couleurs des pigments. Les aquarelles peuvent également être rendues opaques en ajoutant du blanc de Chine.

En Asie de l’Est, les peintures à l’aquarelle sont appelées encres, peintures au pinceau ou au rouleau. Dans la peinture chinoise, coréenne et japonaise, il a été le médium dominant, souvent en noir et blanc ou en marron, utilisant souvent de l'encre ou d'autres pigments. L'Inde, l'Ethiopie et d'autres pays ont une longue tradition en matière d'aquarelle.

Au début des années 1800, les artistes américains semblaient considérer l'aquarelle principalement comme un outil de dessin en vue du travail "fini" à l'huile ou à la gravure.[6]

histoire[[[[éditer]

La peinture à l'aquarelle est extrêmement ancienne et remonte peut-être aux peintures rupestres de l'Europe paléolithique. Elle est utilisée pour l'illustration de manuscrits depuis au moins l'époque égyptienne, mais plus particulièrement au Moyen Âge en Europe. Cependant, c'est continu L'histoire en tant que médium artistique commence avec la Renaissance. Albrecht Dürer (1471-1528), artiste allemand de la Renaissance du Nord, qui a peint plusieurs aquarelles de grande qualité, botaniques, animalières et paysagistes, est généralement considéré comme le plus ancien représentant de l'aquarelle. Hans Bol (1534-1593) dirigea une importante école de peinture à l'aquarelle en Allemagne dans le cadre de la Renaissance de Dürer.

Une peinture d'un lièvre avec de grandes oreilles.

Malgré ces débuts précoces, les aquarellistes baroques utilisaient généralement des aquarelles uniquement pour des croquis, des copies ou des bandes dessinées (dessins à l'échelle réelle). Van Dyck (pendant son séjour en Angleterre), Claude Lorrain, Giovanni Benedetto Castiglione et de nombreux artistes hollandais et flamands figuraient parmi les premiers spécialistes de l'aquarelle. Cependant, l'illustration botanique et l'illustration animale sont peut-être les traditions les plus anciennes et les plus importantes de l'aquarelle. Les illustrations botaniques sont devenues populaires à la Renaissance, à la fois sous forme d’illustrations de blocs de bois colorées à la main dans des livres ou de grandes feuilles et sous forme de dessins à l’encre de couleur sur vélin ou papier. Les artistes botaniques ont toujours été parmi les aquarellistes les plus exigeants et les plus compétents. Aujourd'hui encore, les aquarelles – avec leur capacité unique à résumer, à clarifier et à idéaliser en couleur – sont utilisées pour illustrer des publications scientifiques et des musées. L'illustration de la faune a atteint son apogée au 19ème siècle avec des artistes tels que John James Audubon, et aujourd'hui de nombreux guides de terrain scientifiques sont illustrés avec des aquarelles.

École d'anglais[[[[éditer]

Plusieurs facteurs ont contribué à l'expansion de la peinture à l'aquarelle au 18ème siècle, notamment en Angleterre. Parmi les classes d'élite et les classes aristocratiques, l'aquarelle était l'un des ornements occasionnels d'une bonne éducation; les cartographes, les officiers militaires et les ingénieurs l'utilisaient pour décrire des propriétés, des terrains, des fortifications, la géologie sur le terrain et pour illustrer des travaux publics ou des projets commandés. Les aquarellistes étaient souvent amenés avec les expéditions géologiques ou archéologiques, financées par la Société des Dilettanti (fondée en 1733), afin de documenter des découvertes en Méditerranée, en Asie et dans le Nouveau Monde. Ces expéditions ont stimulé la demande de peintres topographiques, qui ont sculpté des peintures-souvenirs de lieux bien connus (et de sites touristiques) le long du Grand Tour en Italie, réalisées à l'aide de toutes les méthodes modernes de l'époque.

À la fin du XVIIIe siècle, le religieux anglais William Gilpin écrivit une série de livres extrêmement populaires décrivant ses voyages pittoresques à travers l'Angleterre rurale, en les illustrant avec des aquarelles monochromes faites sur mesure et sentimentalisées dans les vallées fluviales, les anciens châteaux et les églises abandonnées. Cet exemple a popularisé les aquarelles en tant que forme de journal de touriste personnel. La confluence de ces intérêts culturels, techniques, scientifiques, touristiques et amateurs a abouti à la célébration et à la promotion de l'aquarelle en tant qu '"art national" distinctement anglais. William Blake a publié plusieurs livres de poésie gravée teintée à la main et fourni des illustrations à Dante. enfer, et il a également expérimenté de grands monotypes à l'aquarelle. Parmi les nombreux autres aquarellistes importants de cette période, citons Thomas Gainsborough, John Robert Cozens, Francis Towne, Michael Angelo Rooker, William Pars, Thomas Hearne et John Warwick Smith.

De la fin des années 1700 aux années 1800, le marché des livres imprimés et de l'art domestique a largement contribué à la croissance du support. Les aquarelles ont été utilisées comme document de base à partir duquel des paysages de collection ou des gravures touristiques ont été développées. Des originaux d'aquarelles peints à la main ou des copies de peintures célèbres ont contribué à la création de nombreux portefeuilles d'art de classe supérieure. Les banques satiriques de Thomas Rowlandson, dont beaucoup ont été publiées par Rudolph Ackermann, étaient également extrêmement populaires.

Les trois artistes anglais reconnus pour avoir établi l'aquarelle en tant que moyen de peinture indépendant et mature sont Paul Sandby (1730-1809), souvent appelé "le père de l'aquarelle anglaise"; Thomas Girtin (1775-1802), pionnier de l'utilisation de la peinture de paysage grand format, romantique ou pittoresque; et Joseph Mallord William Turner (1775-1851), qui a mis la peinture à l'aquarelle au plus haut degré de puissance et de raffinement et a créé des centaines de superbes peintures à l'aquarelle historiques, topographiques, architecturales et mythologiques. Sa méthode de développement par étapes de la peinture à l’aquarelle, commençant par de grandes zones de couleur vagues et définies sur du papier humide, puis par raffinage de l’image à travers une séquence de lavages et de glaçages, lui a permis de produire un grand nombre de peintures "d'efficacité d'atelier". multimillionnaire, en partie par la vente de sa galerie d'art personnelle, le premier du genre. Parmi les contemporains importants et très talentueux de Turner et Girtin figurent John Varley, John Sell Cotman, Anthony Copley Fielding, Samuel Palmer, William Havell et Samuel Prout. Le peintre suisse Abraham-Louis-Rodolphe Ducros était également connu pour ses grands formats, peintures romantiques à l'aquarelle.

Aquarelle inachevée de William Berryman, créée entre 1808 et 1816, à l’aquarelle, à l’encre et au crayon. L'utilisation de la pigmentation partielle attire l'attention sur le sujet central.

La fusion des entreprises amateurs, des marchés de l'édition, de la collection d'art et de techniques de la classe moyenne à partir du 19ème siècle a conduit à la création de peintures à l'aquarelle anglais: Société des peintres à l'aquarelle (1804, maintenant connue sous le nom de Royal Watercolor Society) et Nouvelle société de l'aquarelle (1832, maintenant connu sous le nom de l'Institut royal des peintres à l'aquarelle). (EN Société écossaise des peintres à l'aquarelle a été fondée en 1878, connue maintenant sous le nom de Société royale écossaise des peintres à l'aquarelle.) Ces communautés offraient des expositions annuelles et des références aux acheteurs de nombreux artistes. Ils se sont également livrés à des rivalités entre petits États et à des débats esthétiques, en particulier entre les partisans traditionnels de l'aquarelle ("transparents") et les premiers utilisateurs de la couleur la plus dense possible avec la couleur de la carrosserie ou de la gouache (aquarelle "opaque"). La fin de la période géorgienne et victorienne a produit le haut de l'aquarelle britannique, parmi les œuvres les plus impressionnantes du XIXe siècle,[7] Grâce aux artistes Turner, Varley, Cotman, David Cox, Peter de Wint, William Henry Hunt, John Frederick Lewis, Myles Birket Foster, Frederick Walker, Thomas Collier, Arthur Melville et beaucoup d'autres. En particulier, les aquarelles gracieuses, lapidaires et atmosphériques ("peintures de genre") de Richard Parkes Bonington ont créé une mode internationale pour les peintures à l'aquarelle, en particulier dans les années 1820 en Angleterre et en France.

La popularité des aquarelles a stimulé de nombreuses innovations, notamment le papier de soie plus épais et de plus grande taille, et les pinceaux (appelés "crayons") explicites pour l'aquarelle. Les guides pour aquarelles ont été publiés pour la première fois au cours de cette période par Varley, Cox et d’autres, établissant des instructions pas à pas pour peindre qui caractérisent encore le genre; Les éléments du dessin, guide pour aquarelles du critique d’art anglais John Ruskin, n’est épuisé qu’une seule fois depuis sa première publication en 1857. Les marques commerciales d’aquarelle étaient commercialisées et les peintures étaient emballées dans des tubes métalliques ou sous forme de gâteaux secs pouvant être effacés (« dissous) en porcelaine de studio ou utilisés dans des boîtes de peinture métalliques portables sur le terrain. Des percées dans la chimie ont rendu disponibles de nombreux nouveaux pigments, notamment le bleu outremer synthétique, le bleu de cobalt, le viridian, le violet de cobalt, le jaune de cadmium, l’auréoline (cobaltinitrite de potassium), le blanc de zinc et une vaste gamme de lacs carmin et gallant. Ces pigments, à leur tour, ont stimulé une plus grande utilisation des couleurs avec tous les supports de peinture, mais dans les aquarelles anglaises, en particulier chez les Frères pré-raphaélites.

États-Unis[[[[éditer]

La peinture à l'aquarelle est également devenue populaire aux États-Unis au 19ème siècle; John James Audubon, ainsi que les premiers peintres de la Hudson River School tels que William H. Bartlett et George Harvey, ont été parmi les premiers pratiquants remarquables. Au milieu du siècle, l'influence de John Ruskin a suscité un intérêt croissant pour les aquarelles, notamment l'utilisation d'un style "russe" détaillé par des artistes tels que John W. Hill Henry, William Trost Richards, Roderick Newman et Fidelia Bridges. ils Société américaine des peintres à l'aquarelle (maintenant l'American Watercolor Society) a été fondée en 1866. Les représentants américains du médium à la fin du XIXe siècle comprenaient Thomas Moran, Thomas Eakins, John LaFarge, John Singer Sargent, Childe Hassam et, avant tout, Winslow Homer.

Europe[[[[éditer]

L'aquarelle était moins populaire en Europe continentale. Au XVIIIe siècle, la gouache était un support important pour les artistes italiens Marco Ricci et Francesco Zuccarelli, dont les peintures de paysages étaient largement rassemblées.[8] La gouache a également été utilisée par plusieurs artistes en France. Au 19ème siècle, l'influence de l'école anglaise contribue à populariser l'aquarelle «transparente» en France. Elle devient un moyen important pour Eugène Delacroix, François Marius Granet, Henri-Joseph Harpignies et le satiriste Honoré Daumier. Les autres peintres européens qui ont souvent travaillé à l'aquarelle sont Adolph Menzel en Allemagne et Stanisław Masłowski en Pologne.

Malheureusement, l'adoption insouciante et exagérée de colorants colorés à base d'aniline dérivés de l'huile (et de pigments qui en sont composés) s'estompent rapidement à la lumière et les efforts déployés pour préserver les vingt mille peintures de JMW Turner héritées du British Museum en 1857, conduit à une étude et à une réévaluation négative de la durée des pigments à l’aquarelle.[[[[besoin de référence] Cela a entraîné une forte baisse du statut et de la valeur marchande. Néanmoins, les pratiquants isolés ont continué à préférer et à développer le médium jusqu'au 20ème siècle. Paul Signac a créé de magnifiques paysages et des aquarelles maritimes. Paul Cézanne a mis au point un style de peinture à l'aquarelle consistant entièrement en de petits émaux superposés de couleur pure.

20ème et 21ème siècles[[[[éditer]

Wassily Kandinsky, Emil Nolde, Paul Klee, Egon Schiele et Raoul Dufy font partie des nombreux artistes du XXe siècle qui ont réalisé d'importantes œuvres à l'aquarelle. En Amérique, les plus grands représentants comprenaient Charles Burchfield, Edward Hopper, Géorgie et Keeffe, Charles Demuth et John Marin (80% de son travail total est aquarelle). Au cours de cette période, l'aquarelle américaine imitait souvent l'impressionnisme et le post-impressionnisme européens, mais un individualisme considérable s'épanouissait dans les styles d'aquarelle «régionaux» des années 1920 aux années 1940. En particulier, les «peintres Cleveland School» ou «Ohio School» étaient centrés autour du Cleveland Museum of Art et les peintres de la scène californienne étaient souvent associés aux studios d’animation hollywoodiens ou au Chouinard Art Institute (maintenant le California Institute of the Arts). Les peintures californiennes ont utilisé la géographie variée, le climat méditerranéen et la "mobilité" de leur État pour faire revivre la tradition du plein air ou du "plein air". Les plus influents d’entre eux étaient Phil Dike, Millard Sheets, Rex Brandt, Dong Kingman et Milford Zornes. La California Water Color Society, fondée en 1921 et renommée plus tard, la National Watercolor Society, a parrainé d'importantes expositions de ses œuvres. La plus grande aquarelle du monde à l'heure actuelle est Bâtiment 6 Portrait: Intérieur.[9] Produit par l'artiste américaine Barbara Ernst Prey pour le compte du MASS MoCA,[10] l'œuvre est visible dans le bâtiment Robert W. Wilson du MASS MoCA.[11]

Bien que l'essor de l'expressionnisme abstrait et l'influence légère des peintres amateurs et des styles de peinture influencés par la publicité ou par des ateliers aient entraîné une baisse temporaire de la popularité de la peinture à l'aquarelle après env. En 1950, des artistes tels que Martha Burchfield, Joseph Raffael, Andrew Wyeth, Philip Pearlstein, Eric Fischl, Gerhard Richter, Anselm Kiefer et Francesco Clemente continuent à utiliser les aquarelles. En Espagne, Ceferí Olivé a créé un style novateur suivi par ses étudiants, tels que Rafael Alonso López-Montero et Francesc Torné Gavaldà. Au Mexique, les principaux représentants sont Ignacio Barrios, Edgardo Coghlan, Ángel Mauro, Vicente Mendiola et le pasteur Velázquez. Aux îles Canaries, où cette technique d'imagerie compte de nombreux adeptes, il existe des artistes de premier plan tels que Francisco Bonnín Guerín, José Comas Quesada et Alberto Manrique.

Aquarelle[[[[éditer]

La peinture aquarelle comprend quatre ingrédients principaux: un pigment; la gomme arabique comme liant pour maintenir le pigment en suspension; des additifs tels que la glycérine, l'oxgal, le miel et des conservateurs pour modifier la viscosité, la dissimulation, la durabilité ou la couleur du pigment et du mélange de véhicules; et l'évaporation de l'eau, en tant que solvant utilisé pour diluer ou diluer la peinture pour l'application.

Le concept plus général aquarelle fait référence à tout support de peinture qui utilise de l'eau comme solvant et qui peut être appliqué avec un pinceau, un stylo ou un spray. Cela inclut la plupart des encres, des aquarelles, des temps, des caséines, des gouaches et des peintures acryliques modernes.

Le terme «aquarelle» fait référence à des peintures qui utilisent des glucides complexes solubles dans l’eau comme liant. À l’origine (du XVIe au XVIIIe siècle), les reliures pour aquarelle étaient du sucre et / ou de la colle pour peau, mais depuis le XIXe siècle, le liant préféré est le caoutchouc naturel arabique, avec de la glycérine et / ou du miel comme additifs pour améliorer la plasticité et la solubilité du liant, d'autres produits chimiques ajoutés pour améliorer la durabilité du produit.

Le terme "couleur de la carrosserie" désigne une peinture opaque au lieu de transparente. Il fait généralement référence à l'aquarelle opaque, connue sous le nom de gouache.[12] Les peintures acryliques modernes utilisent une dispersion de résine acrylique comme liant.

Aquarelles commerciales[[[[éditer]

Avant le début du XVIIIe siècle, les aquarellistes devaient réaliser eux-mêmes des peintures à l’aide de pigments achetés à un pharmacien ou à un "coloriste" spécialisé et les mélanger avec de l’arabique ou un autre liant. Les premières peintures commerciales étaient de petits blocs de résine qui devaient être mouillés et soigneusement "frottés" dans de l'eau pour obtenir une intensité de couleur utile. William Reeves a commencé son activité de colorman vers 1766. En 1781, son frère Thomas Reeves et lui-même se virent attribuer la Palette d'argent de la Société des arts pour l'invention de l'aquarelle humide. Peinture-cake, une commodité permettant d’économiser du temps, introduite dans «l’âge d’or» de l’aquarelle anglaise Le "gâteau" était immédiatement soluble lorsqu'il était touché par une brosse humide.

Les peintures à l'aquarelle commerciales modernes sont disponibles sous deux formes: des pipes ou des casseroles. La plupart des peintures vendues aujourd’hui se composent de petits tubes pliants en métal de taille standard et ont une formulation similaire à celle du dentifrice, car elles sont déjà mélangées avec un certain composant d’eau. Pour l'utilisation, cette pâte doit être diluée avec de l'eau. La peinture à la casserole (en fait de petits gâteaux séchés ou des barres de peinture dans un récipient en plastique ouvert) est généralement vendue en deux tailles, une pleine et une demi-casserole.

En raison de la chimie organique industrielle moderne, la variété, la saturation et la durée des couleurs de l'artiste disponibles aujourd'hui ont été considérablement améliorées. Les couleurs primaires réelles et non toxiques sont maintenant présentes lors de l’introduction de Hansagul, de la phtalobla et de la kinacridone (PV 122). En principe, à partir d'un tel ensemble de trois couleurs, toutes les autres peuvent être mélangées, car dans une technique classique, aucun blanc n'est utilisé. Le développement moderne des pigments n'était pas motivé par la demande artistique. L'industrie des matériaux d'art est trop petite pour permettre au marché de se développer sur la production mondiale de colorants ou de pigments. À de rares exceptions, telles que l'auréoline, toutes les peintures à l'aquarelle modernes utilisent des pigments à usage industriel plus étendu. Selon les normes de l'industrie, les fabricants de peinture achètent de très petites quantités de ces pigments, en les moulant avec le véhicule, le solvant et les additifs, puis en les emballant. Le procédé de broyage de pigments inorganiques, utilisé dans des marques plus chères, réduit la taille des particules pour améliorer le flux de couleur lorsqu'il est appliqué avec de l'eau.

franchise[[[[éditer]

Dans les débats partisans du monde de l’art anglais au XIXe siècle, la gouache contrastait avec les aquarelles traditionnelles et était dénigrée pour son pouvoir caché élevé ou son manque d’ouverture. les aquarelles "transparentes" étaient surélevées. L'aversion pour la peinture opaque trouve son origine dans le fait que, jusque dans les années 1800, le blanc au plomb était utilisé pour améliorer la qualité des pneus. Ce pigment a rapidement tendance à se décolorer en noir sous l’effet de la pollution atmosphérique contenant du soufre, et a totalement détruit l’œuvre.[13] L'affirmation traditionnelle selon laquelle les aquarelles "transparentes" obtiennent la "brillance" parce qu'elles agissent comme une vitre de vitrail – la couleur est renforcée parce que la lumière traverse le pigment, est réfléchie par le papier et passe ensuite à travers le pigment jusqu'au spectateur – est fausse. Les peintures à l'aquarelle ne forment généralement pas une couche de peinture continue, telle que les peintures acryliques ou à l'huile, mais ne dispersent que de manière aléatoire les particules de pigment sur la surface du papier; La transparence est due au fait que le papier est visible entre les particules.[14] Les aquarelles peuvent sembler plus vibrantes que l’acrylique ou les huiles, car les pigments sont déposés sous une forme plus propre, avec peu ou pas de charges (comme le kaolin) masquant les couleurs des pigments. Habituellement, la majeure partie ou la totalité du liant de caoutchouc sera absorbée par le papier, empêchant le liant de modifier la visibilité du pigment.[14] L'absorption des gommes augmente l'adhésion du pigment sur le papier et les particules de pigment pénètrent plus facilement dans les fibres. En fait, une fonction importante des gencives est de faciliter le "soulèvement" (retrait) des couleurs, si l’artiste veut créer un endroit plus lumineux dans une zone peinte.[14] De plus, les gommes empêchent la floculation des particules de pigment.[14]

Voir aussi[[[[éditer]

  1. ^ Roger Ling (1991): Peinture romaine. Cambridge University Press.
  2. ^ Ellis Kirkham Waterhouse (1994): Peinture au Royaume-Uni – 1530 à 1790. Yale University Press.
  3. ^ "Peinture à l'aquarelle au Royaume-Uni, 1750-1850". www.metmuseum.org. récupéré 03/10/2018.
  4. ^ Fleet House, John (2017-07-14). "Comprendre les différentes qualités de papier aquarelle". Réseau d'artistes. récupéré 03/10/2018.
  5. ^ "Papier Aquarelle: Comment choisir le bon papier pour une utilisation avec des aquarelles". L'art est amusant. Archivé de l'original 07-10-2015. récupéré 06/10/2015.
  6. ^ "GUIDE DE COLLECTION: QUELLE EST LA COULEUR DE L'EAU?". www.collectorsguide.com.
  7. ^ Reynolds, Graham (1992), Aquarelles, une histoire concise, Londres: Thames et Hudson, page 102.
  8. ^ Brown, David Blayney. « Aquarelle ». Grove Art en ligne. Oxford Art en ligne. Oxford University Press. Récupéré le 26 avril 2014.
  9. ^ Nalewicki, Jennifer. "L'histoire de la plus grande peinture au monde à l'aquarelle". Smithsonian. récupéré 01/07/2018.
  10. ^ "La plus grande aquarelle du monde apparaît sur le MASS MoCA". créateurs. 30/05/2017. récupéré 01/07/2018.
  11. ^ "Bâtiment de Barbara Ernst Prey 6 Portrait: Intérieur". MASS MoCA. récupéré 01/07/2018.
  12. ^ Dictionnaire d'art et d'artistes d'Oxford, Ian Chilvers, Oxford University Press USA, 2009
  13. ^ D. Kraaijpoel & C. Herenius. (2007) The Art Painting – Manuel sur les matériaux et les techniques, Cantecleer, page 187
  14. ^ un b c D. Kraaijpoel & C. Herenius. (2007) The Art Painting – Manuel sur les matériaux et les techniques, Cantecleer, page 183

références[[[[éditer]

histoire[[[[éditer]

  • Andrew Wilton et Anne Lyles. Le grand âge de l'aquarelle britannique (1750-1880). Prestel, 1993. ISBN 3-7913-1254-5
  • Anne Lyles et Robin Hamlyn. Aquarelles Britanniques de Oppé Collection. Tate Gallery Publishing, 1997. ISBN 1-85437-240-8
  • Christopher Finch. Aquarelles américaines. Abbeville Press, 1991. ASIN B000IBDWGK
  • Christopher Finch. Aquarelles du XIXe siècle. Abbeville Press, 1991. ISBN 1-55859-019-6
  • Christopher Finch. Aquarelles du XXème siècle. Abbeville Press, 1988. ISBN 0-89659-811-X
  • Eric Shanes. Turner: Les grandes aquarelles. Académie royale des arts, 2001. ISBN 0-8109-6634-4
  • Martin Hardie. Aquarelle au Royaume Uni (3 volumes: I. Le dix-huitième siècle; II. La période romantique; III. La période victorienne.) Batsford, 1966–68. ISBN 1-131-84131-X
  • Michael Clarke. The Tempting Prospect: une histoire sociale des aquarelles anglaises. British Museum Publications, 1981. ASIN B000UCV0XO
  • Moore, Sean. Dictionnaire visuel ultime. Dorling Kindersley, 1994. ISBN 0-7513-1050-6

Guides et technique[[[[éditer]

  • Rex Brandt. Les manières gagnantes de l’aquarelle: techniques et méthodes de base pour une aquarelle transparente en 20 leçons. Van Nostrand Reinhold, 1973. ISBN 0-442-21404-9
  • David Dewey. Livre Aquarelle: matériaux et techniques pour l'artiste d'aujourd'hui. Watson-Guptill, 1995. ISBN 0-8230-5641-4
  • Donna Seldin Janis. Sargent à l'étranger: figures et paysages. Abbeville Press; 1ère édition (octobre 1997). ISBN 978-0-7892-0384-7.
  • Charles LeClair. L'art de l'aquarelle (Édition révisée et augmentée). Watson-Guptill, 1999. ISBN 0-8230-0292-6
  • Société royale d'aquarelle. expert Aquarelle. Cassell Illustrated, 2004. ISBN 1-84403-149-7
  • John Ruskin. Les éléments du dessin [1857]. Watson-Guptill, 1991. ISBN 0-8230-1602-1 (Des copies d'autres éditeurs sont également disponibles.)
  • Pip Seymour. Aquarelle: Un manuel pour les artistes. Lee Press, 1997. ISBN 0-9524727-4-0
  • Stan Smith. Aquarelle: tout le parcours. Reader's Digest, 1995. ISBN 0-89577-653-7
  • Curtis Tappenden. Cours de base: aquarelle. Cassell Illustrated, 2003. ISBN 1-84403-082-2
  • Edgar A. Whitney. Guide complet des peintures à l'aquarelle. Watson-Guptill, 1974.[DoverEdition[DoverEdition[DoverEdition[DoverEditionISBN 0-486-41742-5]

matériels[[[[éditer]

  • Ian Sideway. Registre de papier d'artiste aquarelle. Aurores boréales, 2000. ISBN 1-58180-034-7
  • Jacques Turner. Pinceaux: Un manuel pour les artistes et artisans. Design Press, 1992. ISBN 0-8306-3975-6
  • Sylvie Turner. Le livre de papier fin. Thames & Hudson, 1998. ISBN 0-500-01871-5
  • Michael Wilcox. Le guide Wilcox des meilleures peintures à l'aquarelle. Publications de l'École de la couleur, 2000. ISBN 978-0-9679628-0-1

Liens externes[[[[éditer]


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