Peinture – Wikipedia artist aquarelle

Pratiquez l'application de peinture, pigment, couleur ou autre moyen sur une surface

La plus ancienne peinture de personnages connue est une représentation d'un bœuf découvert dans la grotte Lubang Jeriji Saléh, peinte il y a 40 000 ans ou plus tôt.

Une représentation artistique d'un groupe de rhinocéros a été réalisée dans la grotte Chauvet il y a 30 000 à 32 000 ans.

peinture est la pratique de l'application de peinture, pigment, couleur ou autre moyen[1] sur une surface solide (appelée "matrice" ou "support"). Le support est souvent utilisé sur la base avec un pinceau, mais d'autres outils, tels que des couteaux, des éponges et des aérographes, peuvent être utilisés. Le travail final s'appelle également une peinture.

La peinture est une forme importante dans les arts visuels et introduit des éléments tels que le dessin, le geste (comme dans la peinture gestuelle), la composition, la narration (comme dans l’art narratif) ou l’abstraction (comme dans l’art abstrait).[2] Les peintures peuvent être naturalistes et représentatives (comme dans une peinture immobile ou de paysage), photographiques, abstraites, narratives, symbolistes (comme dans l'art symboliste), émotionnelles (comme dans l'expressionnisme) ou politiques (comme dans l'artivisme).

Une partie de l'histoire de la peinture dans l'art oriental et occidental est dominée par l'art religieux. Des exemples de ce type de peintures vont d'œuvres d'art représentant des figures mythologiques sur la poterie, des scènes bibliques de la chapelle Sixtine, à des scènes de la vie de Bouddha ou à d'autres images d'origine religieuse orientale.

Dans l'art est le terme peinture décrit à la fois l'action et le résultat de l'action. Le support de peinture comprend des surfaces telles que murs, papier, toile, bois, verre, laque, céramique, feuilles, cuivre et béton. La peinture peut contenir plusieurs autres matériaux, notamment du sable, de l'argile, du papier, du plâtre, des feuilles d'or et des objets.

Éléments de peinture[[[[éditer]

Couleurs pigmentaires – classification

Couleur et ton[[[[éditer]

La couleur, composée de teinte, de saturation et de valeur, répartie sur une surface, est l’essence de la peinture, tout comme la hauteur et le rythme sont l’essence de la musique. La couleur est hautement subjective, mais elle a des effets psychologiques observables, même s’ils peuvent varier d’une culture à l’autre. Le noir est associé au chagrin à l'ouest, mais à l'est est blanc. Certains peintres, théoriciens, écrivains et chercheurs, dont Goethe,[3] Kandinsky,[4] et Newton,[5] a écrit sa propre théorie de la couleur.

En outre, l'utilisation de la langue n'est qu'une abstraction pour un équivalent de couleur. Par exemple, le mot "rouge" peut couvrir une large gamme de variations du spectre de la lumière au spectre de la lumière visible. Ce n'est pas un registre formel de couleurs différentes en ce sens qu'il y a accord sur différentes notes en musique, telles que F ou C. Pour un peintre, les couleurs ne sont pas simplement divisées en couleurs de base (primaires) et dérivées (complémentaires ou mixtes) (telles que le rouge, le bleu, le vert, le marron, etc.).

Les peintres travaillent pratiquement avec des pigments,[6] Donc, "bleu" pour un peintre peut être bleu: phtalocyanine bleue, bleu de Prusse, indigo, bleu de cobalt, outremer, etc. Les significations psychologiques et symboliques des couleurs ne sont pas strictement des peintures. Les couleurs ne font qu'ajouter à la signification potentielle et dérivée des significations, de sorte que la perception d'un tableau est très subjective. L'analogie avec la musique est assez claire – le son dans la musique (comme une note de Do) est analogue à la "lumière" dans la peinture, les "nuances" à la dynamique et la "coloration" à la peinture comme le son spécifique des instruments de musique à la musique. Ces éléments ne forment pas nécessairement une mélodie (en musique) en eux-mêmes; ils peuvent plutôt y ajouter différents contextes.

Affiche une peinture pointilliste d'un soliste du trombone.

Articles non traditionnels[[[[éditer]

Les artistes modernes ont considérablement élargi leur pratique de la peinture pour inclure, à titre d'exemple, le collage, qui a commencé avec le cubisme et n'est pas une peinture au sens strict. Certains peintres modernes utilisent différents matériaux comme le sable, le ciment, la paille, les feuilles ou le bois. Jean Dubuffet et Anselm Kiefer en sont des exemples. Il existe une communauté grandissante d'artistes qui utilisent des ordinateurs pour "peindre" la couleur d'une "toile" numérique à l'aide d'applications telles que Adobe Photoshop, Corel Painter et bien d'autres. Ces images peuvent être imprimées sur une toile traditionnelle si nécessaire.

rythme[[[[éditer]

La technique divisionniste en mosaïque de Jean Metzinger avait son parallèle dans la littérature; une marque de l'alliance entre les écrivains symbolistes et les artistes néo-impressionnistes:

Je demande un coup de pinceau partagé, pas un rendu objectif de la lumière, mais des irisations et certains aspects de la couleur qui restent étrangers à la peinture. Je fais une sorte de versification chromatique et, pour les syllabes, j'utilise des traits qui, en quantité variable, ne peuvent varier en dimension sans changer le rythme d'une phrase imagée destinée à traduire les différentes émotions suscitées par la nature. (Jean Metzinger, ca 1907)[7]

Rhythm, pour des artistes comme Piet Mondrian,[8][9] est important en peinture comme en musique. Définir le rythme comme "une pause incorporée dans une séquence" peut être un rythme dans les peintures. Ces ruptures permettent au pouvoir créateur d'intervenir et d'ajouter de nouvelles créations – forme, mélodie, coloration. La distribution de la forme, ou de tout type d’information, est cruciale pour une œuvre d’art donnée et elle affecte directement la valeur esthétique de cette œuvre. En effet, la valeur esthétique dépend de la fonction, c'est-à-dire que la liberté de perception (pour le mouvement) est perçue comme une beauté. La libre circulation de l’énergie, tant dans l’art que dans d’autres formes de «technologies», contribue directement à la valeur esthétique.[8]

La musique était importante pour la naissance de l'art abstrait, car la musique est par nature abstraite – elle ne cherche pas à représenter le monde extérieur, mais exprime les sentiments intérieurs de l'âme en un instant. Wassily Kandinsky a souvent utilisé des termes musicaux pour identifier ses œuvres. il a appelé ses "peintures improvisées" ses peintures les plus spontanées et a décrit les œuvres plus élaborées comme des "compositions". Kandinsky a théorisé que "la musique est l'enseignant ultime"[10] et ensuite embarqué sur les sept premiers de ses dix compositions. En entendant les notes et les accords en peignant, Kandinsky a émis l'hypothèse suivante: par exemple, le jaune est la couleur du do central d'une trompette en laiton; le noir est la couleur de la fermeture et la fin des choses; et que les combinaisons de couleurs produisent des fréquences vibratoires similaires aux accords joués sur un piano. En 1871, le jeune Kandinsky apprend à jouer du piano et du violoncelle.[11][12] La scénographie de Kandinsky pour l'interprétation des "Tableaux d'une exposition" de Moussorgski illustre son concept "synesthétique" d'une correspondance universelle de formes, de couleurs et de sons musicaux.[13]

La musique définit une grande partie de la peinture abstraite moderniste. Jackson Pollock souligne cet intérêt avec sa peinture de 1950 Rythme d'automne (numéro 30).[14]

histoire[[[[éditer]

Les plus anciennes peintures connues se trouvent à la Grotte Chauvet en France, qui, selon certains historiens, aurait environ 32 000 ans. Ils sont gravés et peints avec des pigments ocre rouge et noir montrant des chevaux, des rhinocéros, des lions, des buffles, des mammouths, des motifs abstraits et des formes humaines partielles. Cependant, les preuves les plus anciennes de l'acte de peinture ont été découvertes sur deux étagères en pierre dans la Terre d'Arnhem, au nord de l'Australie. Dans la couche de matériau la plus basse de ces sites, on estime que les fragments d’ocre utilisés ont 60 000 ans. Les archéologues ont également trouvé un fragment de peinture sur pierre conservé sur une plate-forme calcaire de la région de Kimberley, au nord-ouest de l’Australie, qui remonte à 40 000 ans.[15] Il existe des exemples de peintures rupestres dans le monde entier – en Italie, en France, en Espagne, au Portugal, en Chine, en Australie, au Mexique,[16] etc. Dans les cultures occidentales, la peinture à l'huile et la peinture à l'aquarelle ont des traditions riches et complexes en matière de style et de sujet. En Orient, l'encre et l'encre de couleur ont historiquement dominé le choix des supports, avec des traditions tout aussi riches et complexes.

L'invention de la photographie a eu un impact majeur sur la peinture. Dans les décennies qui suivirent la production de la première photographie en 1829, les procédés photographiques s’améliorèrent et devinrent de plus en plus pratiques, et la peinture priva une grande partie de son objectif historique, qui consistait à donner une vue précise du monde observable. Une série de mouvements artistiques à la fin des années 1800 et au début des années 1900 – en particulier l’impressionnisme, le post-impressionnisme, le fauvisme, l’expressionnisme, le cubisme et le dadaïsme – ont remis en question la vision du monde de la Renaissance. Cependant, les peintures orientales et africaines continuent une longue histoire de stylisation et ne subissent pas de transformation similaire au même moment.[[[[besoin de référence]

L'art moderne et contemporain s'est éloigné de la valeur historique de l'artisanat et de la documentation au profit du concept, ce qui a conduit certains, dans les années 1960, à affirmer que la peinture en tant qu'art sérieux était morte.[[[[clarification nécessaire] Cela n'a pas dissuadé la majorité des peintres vivants de continuer à pratiquer la peinture dans son ensemble ou dans une partie de leur travail. La vitalité et la polyvalence de la peinture au XXIe siècle défient les «déclarations» antérieures de sa disparition. À une époque marquée par l'idée de pluralisme, il n'y a pas de consensus sur un style de temps représentatif. Les artistes continuent de créer des œuvres d'art importantes dans une variété de styles et de tempéraments esthétiques, laissant le soin de juger de leurs avantages au public et au marché.

Esthétique et théorie[[[[éditer]

Un relief contre un mur montre un homme barbu qui s’étend avec ses mains lorsque ses vêtements sont drapés sur son corps.

L'esthétique est l'étude de l'art et de la beauté. C'était un sujet important pour les philosophes des 19e et 19e siècles, comme Kant et Hegel. Les philosophes classiques tels que Platon et Aristote ont également théorisé l'art et la peinture. Platon a ignoré les peintres (ainsi que les sculpteurs) dans leur système philosophique; il a fait valoir que la peinture ne peut représenter la vérité – c'est une copie de la réalité (une ombre du monde des idées) et n'est rien d'autre qu'un métier, similaire à la fabrication de chaussures ou au moulage de fer.[17] À l'époque de Léonard de Vinci, la peinture était devenue une représentation plus fidèle de la vérité que la peinture dans la Grèce antique. Au contraire, Léonard de Vinci a déclaré que "l'italien: La Pittura è cosa mental"(" Anglais: La peinture est une chose de l'esprit« ).[18] Kant a distingué entre Beauté et le Sublime, en termes clairement prioritaires.[[[[besoin de référence] Bien qu'il ait peu fait référence à la peinture, ce concept a été repris par des peintres comme J.M.W. Turner et Caspar David Friedrich.

Hegel a reconnu l'échec de la réalisation d'un concept universel de beauté et a écrit dans son essai sur l'esthétique que la peinture est l'un des trois arts "romantiques", avec la poésie et la musique, pour sa vocation symbolique et hautement intellectuelle.[19][20] Les peintres qui ont écrit des travaux théoriques sur la peinture incluent Kandinsky et Paul Klee.[21][22] Dans son essai, Kandinsky affirme que la peinture a une valeur spirituelle et associe les couleurs primaires à des émotions ou des concepts essentiels, ce que Goethe et d'autres écrivains avaient déjà tenté de faire.

L'iconographie est l'étude du contenu des peintures plutôt que de leur style. Erwin Panofsky et d’autres historiens de l’art essaient d’abord de comprendre les choses représentées, avant d’en examiner le sens pour le spectateur à l’époque, pour ensuite analyser leur signification culturelle, religieuse et sociale plus large.[23]

En 1890, le peintre parisien Maurice Denis avait déclaré: "Rappelez-vous qu'un tableau – avant de devenir un cheval de guerre, une femme nue ou une histoire – est en réalité une surface plane recouverte de couleurs assemblées dans un certain ordre."[24] Ainsi, de nombreux développements de la peinture du 20ème siècle, tels que le cubisme, étaient des reflets autour fonds de la peinture plutôt que du monde extérieur – la nature – qui était auparavant son sujet principal. Le peintre et auteur Julian Bell a récemment apporté sa contribution à la réflexion sur la peinture. Dans son livre Qu'est ce que la peinture?Bell discute de l’évolution, à travers l’histoire, de la notion selon laquelle la peinture peut exprimer des émotions et des idées.[25] en Miroir du monde, Bell écrit:

FR travail de l'art cherche à retenir l'attention et à la retenir: histoire de l’art qu’il pousse devant, une autoroute gronde dans les demeures de la fantaisie.[26]

Média de peinture[[[[éditer]

Différents types de peintures sont généralement identifiés par le support dans lequel le pigment est suspendu ou incorporé, ce qui détermine les propriétés générales d'utilisation de la peinture, telles que la viscosité, la miscibilité, la solubilité, le temps de séchage, etc.

huile[[[[éditer]

Honoré Daumier (1808-1879), Peintre. Huile sur panneau avec coups de pinceau visibles.

La peinture à l'huile est le processus de peinture avec des pigments liés à un médium d'huile sèche, telle que l'huile de lin, qui était largement utilisée au début de l'Europe moderne. Souvent, l'huile était bouillie avec une résine telle qu'une résine de pin ou même de l'encens; Ceux-ci ont été appelés "vernis" et ont été évalués pour le corps et la brillance. Peu à peu, la peinture à l'huile est devenue le moyen le plus important utilisé pour créer des œuvres d'art au fur et à mesure que les avantages en étaient connus. La transition a commencé avec la peinture hollandaise ancienne dans le nord de l'Europe et, à l'apogée de la Renaissance, les techniques de peinture à l'huile avaient presque complètement remplacé la peinture à la trempe dans la plupart des pays d'Europe.

pastel[[[[éditer]

Le pastel est un moyen de peinture sous la forme d'un stick, composé d'un pigment en poudre pure et d'un liant.[27] Les pigments utilisés dans les pastels sont les mêmes que ceux utilisés pour produire tous les médiums d'art colorés, y compris les peintures à l'huile; le liant a une teinte neutre et une faible saturation. L'effet de couleur des pastels est plus proche des pigments secs naturels que de tout autre processus.[28] La surface d’une peinture au pastel étant fragile et légèrement tachée, sa protection nécessite des mesures de protection telles que l’encadrement sous verre; il peut également être pulvérisé avec un fixatif. Néanmoins, lorsqu'il est fabriqué avec des pigments permanents et correctement entretenu, une peinture au pastel peut résister sans changement pendant des siècles. Les pastels ne sont pas réceptifs, et même les peintures faites avec un support liquide, pour les fissures et la décoloration qui résultent de changements dans le support, la couleur, l'opacité ou les dimensions en séchant.

acrylique[[[[éditer]

Les peintures acryliques sont des peintures à séchage rapide contenant une suspension de pigment dans une émulsion de polymère acrylique. Les peintures acryliques peuvent être diluées avec de l'eau, mais deviennent résistantes à l'eau une fois sèches. Selon la quantité de peinture diluée (à l'eau) ou modifiée avec des gels, des supports ou des pâtes acryliques, la peinture acrylique finie peut ressembler à une aquarelle ou à une peinture à l'huile, ou bien posséder des propriétés uniques qui ne peuvent être obtenues avec d'autres supports. La différence pratique la plus importante entre la plupart des peintures acryliques et à l'huile est le temps de séchage inhérent. Les huiles donnent plus de temps pour mélanger les couleurs et appliquer un vernis uniforme sur les sous-peintures. Cet aspect de l'huile à séchage lent peut être considéré comme un avantage pour certaines techniques, mais peut également entraver la capacité de l'artiste à travailler rapidement.

aquarelle[[[[éditer]

L'aquarelle est une méthode de peinture dans laquelle les peintures sont constituées de pigments en suspension dans un véhicule soluble dans l'eau. Le support le plus traditionnel et le plus courant pour les aquarelles est le papier; Parmi les autres supports, citons le papyrus, le papier écorce, le plastique, le vélin ou le cuir, le tissu, le bois et la toile. En Asie de l’Est, les peintures à l’aquarelle sont appelées encres, peintures au pinceau ou au rouleau. Dans la peinture chinoise, coréenne et japonaise, il a été le médium dominant, souvent en noir et blanc et en noir. L'Inde, l'Ethiopie et d'autres pays ont également de longues traditions. La peinture au doigt avec des peintures à l'aquarelle est originaire de Chine. Les crayons d’aquarelle (crayons de couleur solubles dans l’eau) peuvent être utilisés humides ou secs.

encre[[[[éditer]

Paysage des quatre saisons (1486), Sesshū Tōyō. Encre et couleur claire sur le papier.

Les peintures à l'encre sont fabriquées avec un liquide contenant des pigments et / ou des colorants et utilisées pour colorer une surface afin de produire une image, un texte ou un dessin. L'encre est utilisée pour dessiner avec un stylo, un pinceau ou une plume. L'encre peut être un support composite composé de solvants, de pigments, de colorants, de résines, de lubrifiants, d'agents de solubilisation, de tensioactifs, de solides en suspension, de tubes fluorescents et d'autres matériaux. Les composants de l'encre ont de nombreux objectifs; Le support d'encre, les colorants et autres additifs contrôlent le flux et l'épaisseur de l'encre ainsi que son apparence une fois secs.

Cire chaude ou encaustique[[[[éditer]

La peinture encaustique, également appelée peinture à la cire chaude, consiste à utiliser de la cire d’abeille chauffée pour l’ajout de pigments colorés. Le liquide / pâte est ensuite appliqué sur une surface – généralement en bois, bien que la toile et d'autres matériaux soient souvent utilisés. Le mélange d'encaustique le plus simple peut être obtenu en ajoutant des pigments à la cire d'abeille, mais plusieurs autres recettes peuvent être utilisées, dont certaines contiennent d'autres types de cire, de résine damar, d'huile de lin ou d'autres ingrédients. Des pigments purs en poudre peuvent être achetés et utilisés, bien que certains mélanges utilisent des peintures à l'huile ou d'autres formes de pigments. Des outils en métal et des brosses spéciales peuvent être utilisés pour mouler la peinture avant qu'elle ne soit refroidie, ou des outils en métal chauffés peuvent être utilisés pour manipuler la cire une fois refroidie à la surface. D'autres matériaux peuvent être encapsulés ou collés dans la surface, ou en couches, en utilisant le support monocouche pour le fixer à la surface.

Cette technique était commune aux peintures sur panneaux antiques grecques et romaines et elle est restée utilisée dans la tradition des icônes orthodoxes orientales.

fresque[[[[éditer]

La fresque est l'un des nombreux types de peintures murales apparentées, réalisées sur du plâtre sur des murs ou des plafonds. Le mot fresco vient du mot italien affresco [afˈfresːko], qui dérive du mot latin pour frais. Les fresques ont souvent été réalisées à la Renaissance et à d’autres époques primitives.
Buon fresco La technique consiste à peindre des pigments mélangés avec de l’eau sur une fine couche de mortier ou de plâtre à la chaux fraîche et humide, pour laquelle le mot italien «plâtre», intonaco, est utilisé. Et secco cependant, la peinture est faite sur du plâtre sec (Secco est "sec" en italien). Les pigments nécessitent un liant, comme des œufs (tempera), de la colle ou de l'huile, pour fixer le pigment au mur.

gouache[[[[éditer]

La gouache est une peinture à base d'eau composée d'un pigment et d'autres matériaux conçus pour être utilisés dans une méthode de peinture opaque. La gouache se distingue de l'aquarelle par le fait que les particules sont plus grosses, le rapport pigment / eau est beaucoup plus élevé et un pigment blanc, inerte et blanc, semblable à la craie, est également présent. Cela rend la gouache plus lourde et plus opaque, avec de meilleures propriétés réfléchissantes. Comme tous les milieux contenant de l'eau, il est dilué avec de l'eau.[29]

émail[[[[éditer]

Les émaux sont fabriqués en peignant un substrat, généralement en métal, avec du verre en poudre; Les minéraux appelés oxydes de couleur assurent la coloration. Après avoir tourné à une température de 750 à 850 degrés Celsius (1380 à 1560 degrés Fahrenheit), le résultat est un laminage en fusion de verre et de métal. Contrairement à la plupart des techniques peintes, la surface peut être manipulée et mouillée. Les émaux sont traditionnellement utilisés pour décorer des objets précieux,[30] mais a également été utilisé à d'autres fins. L'émail à Limoges était le centre principal de la peinture à l'émail de la Renaissance, avec de petites scènes religieuses et mythologiques dans un décor décoré, sur des plaques ou des objets tels que des sels ou des boîtes. Au 18ème siècle, la peinture sur émail jouissait d'une vogue en Europe, notamment comme support pour les miniatures de portraits.[31] À la fin du XXe siècle, la technique de l'émail porcelaine sur métal a été utilisée comme support durable pour les peintures murales extérieures.[32]

Spray Paint[[[[éditer]

La peinture en aérosol (également appelée peinture en aérosol) est un type de peinture présenté dans un récipient sous pression scellé et libéré dans un fin brouillard de pulvérisation lorsque vous appuyez sur un bouton de la vanne. Une forme de peinture en aérosol, la peinture en aérosol laisse une surface lisse et uniformément revêtue. Les boîtes de taille standard sont portables, peu coûteuses et faciles à stocker. L'apprêt en aérosol peut être appliqué directement sur du métal nu et de nombreux plastiques.

La rapidité, la portabilité et la permanence font également de la peinture aérosol un support graffiti commun. À la fin des années 1970, les signatures et les peintures murales de graffeurs de rue devinrent plus élaborées et un style unique se développa en tant que facteur du support aérosol et de la vitesse requise pour le travail illégal. Beaucoup reconnaissent maintenant le graffiti et le street art en tant que forme d'art unique et peignent spécialement en aérosol pour le graffeur. Un pochoir protège une surface, à l'exception de la forme spécifique à peindre. Les pochoirs peuvent être achetés sous forme de lettres animées, commandés sous forme de logos coupés professionnellement ou coupés à la main par des artistes.

détrempe[[[[éditer]

La tempera, également connue sous le nom de tempera à l'œuf, est un support de peinture permanent à séchage rapide constitué d'un pigment coloré mélangé à un liant hydrosoluble (généralement un matériau gluant tel que le jaune d'œuf ou toute autre taille). Tempera fait également référence aux peintures réalisées dans ce médium. Les peintures thermiques durent très longtemps et des exemples datant des premiers siècles de notre ère existent toujours. La détrempe des œufs était une méthode de peinture principale après 1500, date à laquelle elle a été remplacée par l’invention de la peinture à l’huile. Une peinture communément appelée tempera (bien que non), composée d'un pigment et d'une taille de colle, est souvent utilisée et désignée par certains fabricants américains comme peinture pour affiches.

Peinture à l'huile miscible à l'eau[[[[éditer]

La peinture à l'huile miscible à l'eau (également appelée "hydrosoluble" ou "miscible à l'eau") est une sélection moderne de peintures à l'huile conçues pour être diluées et nettoyées à l'eau, plutôt que d'utiliser des produits chimiques tels que la térébenthine. Il peut être mélangé et appliqué en utilisant les mêmes techniques que les peintures à l'huile traditionnelles, mais tout en étant humide, il peut être efficacement retiré des pinceaux, des palettes et du mastic avec de l'eau et du savon ordinaires. La solubilité dans l'eau provient de l'utilisation d'un milieu huileux dans lequel une extrémité de la molécule a été modifiée pour se lier de manière lâche aux molécules d'eau, comme dans une solution.

Peinture numérique[[[[éditer]

La peinture numérique est une méthode permettant de créer numériquement un objet d'art (peinture) et / ou une technique permettant de créer un art numérique sur ordinateur. En tant que méthode de fabrication d'un objet d'art, il adapte le support de peinture traditionnel tel que les peintures acryliques, les huiles, les encres, les aquarelles, etc. et applique le pigment sur des supports traditionnels, tels que la toile tissée, le papier, le polyester, etc., à l'aide d'un logiciel pilotant un robot industriel ou machines de bureau (imprimantes). En tant que technique, il s’agit d’un programme graphique sur ordinateur qui utilise un canevas virtuel et une boîte de peinture virtuelle avec des pinceaux, des couleurs et d’autres fournitures. La boîte virtuelle contient de nombreux instruments qui n'existent pas en dehors de l'ordinateur et qui donnent à une œuvre d'art numérique un aspect et une sensation différents d'une œuvre d'art réalisée de manière traditionnelle. De plus, la peinture numérique n'est pas un art "généré par ordinateur", l'ordinateur ne créant pas automatiquement d'images sur l'écran à l'aide de calculs mathématiques. D'autre part, l'artiste utilise sa propre technique de peinture pour créer l'œuvre spécifique sur ordinateur.[33]

Styles de peinture[[[[éditer]

Stil utilisé dans deux sens: Il peut faire référence aux éléments visuels, techniques et méthodes particuliers qui caractérisent une individuel le travail de l'artiste. Cela peut également faire référence au mouvement ou à l'école auquel un artiste est associé. Cela peut provenir d'un groupe réel dans lequel l'artiste était consciemment impliqué ou d'une catégorie dans laquelle les historiens de l'art ont placé le peintre. Le mot "style" dans ce dernier sens, il est tombé en disgrâce dans les discussions académiques sur la peinture contemporaine, même si elle est toujours utilisée dans les contextes populaires. Ces mouvements ou classifications sont les suivants:

occidental[[[[éditer]

modernisme[[[[éditer]

Le modernisme décrit à la fois un ensemble de tendances culturelles et un certain nombre de mouvements culturels associés, résultant à l'origine des profonds et profonds changements survenus dans la société occidentale à la fin du XIXe siècle et au début du XXe siècle. Le modernisme était une rébellion contre les valeurs conservatrices du réalisme.[34][35] Le terme englobe les activités et les avantages de ceux qui ont le sentiment que les formes d’art, l’architecture, la littérature, les croyances religieuses, l’organisation sociale et la vie quotidienne «traditionnelles» sont en train de devenir obsolètes dans les nouvelles conditions économiques, sociales et politiques d’un monde en pleine croissance et pleinement industrialisé. La conscience de soi est une caractéristique marquante du modernisme. Cela a souvent conduit à des expériences sur la forme et à des travaux qui ont attiré l'attention sur les processus et les matériaux utilisés (ainsi que sur la tendance ultérieure à l'abstraction).[36]

impressionnisme[[[[éditer]

Le premier exemple de modernisme en peinture est l’impressionnisme, une école de peinture axée à l’origine sur le travail effectué, non pas dans des studios, mais à l’extérieur (un air carré). Les peintures impressionnistes ont démontré que les gens ne voient pas les objets mais voient la lumière eux-mêmes. L'école a rassemblé des adeptes malgré les divisions internes entre ses principaux praticiens et est devenue de plus en plus influente. A l'origine rejeté du plus important spectacle commercial de l'époque, le Salon de Paris, parrainé par le gouvernement. Les impressionnistes ont organisé des expositions de groupe annuelles dans des arènes commerciales au cours des années 1870 et 1880, de manière à assurer leur coordination avec le salon officiel. Un événement majeur en 1863 fut le Salon des refusés, créé par l'empereur Napoléon III pour exposer tous les tableaux rejetés par le Salon de Paris.

Styles abstraits[[[[éditer]

La peinture abstraite utilise un langage visuel de forme, de couleur et de ligne pour créer une composition pouvant exister avec un degré d'indépendance par rapport aux références visuelles du monde.[37][38] Après la Seconde Guerre mondiale, l’expressionisme abstrait était un mouvement artistique qui combinait l’intensité émotionnelle et le renoncement des expressionnistes allemands à l’esthétique antifigurative des écoles abstraites européennes – comme le futurisme, le Bauhaus et le cubisme – et l’image d’être rebelle, anarchique, fortement idiosyncratique et dans une certaine mesure. , nihiliste.[39]

Action painting, parfois appelée abstraction du geste, est un style de peinture dans lequel la peinture est goutte à goutte, vaporisée ou répandue sur la toile plutôt qu’elle est utilisée doucement.[40] Le travail qui en résulte met souvent l’accent sur l’action physique en se peignant comme un aspect essentiel du travail fini ou de la préoccupation de son artiste. Le style était répandu des années 1940 au début des années 1960 et est étroitement associé à l'expressionnisme abstrait (certains critiques ont utilisé les termes "action painting" et "expressionnisme abstrait" l'un pour l'autre).

Les autres styles modernistes incluent:

Art exceptionnel[[[[éditer]

Le terme d'art outsider a été inventé par le critique d'art Roger Cardinal en 1972 en tant que synonyme anglais d'art brut (français: [aʁ bʁyt], "art brut" ou "art brut"), une étiquette créée par l’artiste français Jean Dubuffet pour décrire un art créé en dehors des frontières de la culture officielle; Dubuffet s'est concentré spécifiquement sur l'art des détenus fous.[41] L’art Outsider est devenu une catégorie à succès pour la commercialisation de l’art (une foire annuelle Outsider Art Fair a lieu à New York depuis 1992). Le terme est parfois utilisé à tort comme une étiquette de marketing captivante pour un art créé par des personnes extérieures au "monde de l'art" ordinaire, quelles que soient leurs circonstances ou le contenu de l'œuvre.

photoréalisme[[[[éditer]

Le photoréalisme est le genre de peinture basé sur l'utilisation de l'appareil photo et de photographies pour collecter des informations, puis à partir de ces informations, en créant une peinture qui a l'air très réaliste comme photographie. Le terme s’applique d’abord aux peintures du mouvement artistique américain qui a débuté à la fin des années 1960 et au début des années 1970. En tant que mouvement artistique à part entière, le photoréalisme est né du Pop Art.[42][43][44] et par opposition à l'expressionnisme abstrait.

L'hyperréalisme est un genre de peinture et de sculpture qui ressemble à une photographie haute résolution. L'hyperréalisme est une école d'art à part entière et peut être considéré comme une progression du photoréalisme par les méthodes utilisées pour créer les peintures ou les sculptures obtenues. Le terme s’applique avant tout à un mouvement artistique indépendant et à un style artistique américain et européen qui a évolué depuis le début des années 2000.[45]

surréalisme[[[[éditer]

Le surréalisme est un mouvement culturel qui a débuté au début des années 1920. Il est surtout connu pour la production artistique et littéraire de ceux associés au mouvement surréaliste. Les œuvres d'art surréalistes présentent des éléments de surprise, de désagréable, d'inconscient, de juxtapositions et de non-séquences inattendues; Cependant, de nombreux artistes et écrivains surréalistes voient leur travail comme une expression du mouvement philosophique avant tout, avec les œuvres comme objet. Le chef André Breton a explicitement affirmé que le surréalisme était avant tout un mouvement révolutionnaire.

Le surréalisme s'est développé à partir des activités dada de la Première Guerre mondiale et le centre le plus important du mouvement était Paris. À partir des années 1920, le mouvement s'est étendu à travers le monde et a progressivement influencé les arts visuels, la littérature, le film et la musique dans de nombreux pays, ainsi que la pensée et la pratique politiques, la philosophie et la théorie sociale.

Extrême Orient[[[[éditer]

islamique[[[[éditer]

Indien[[[[éditer]

africain[[[[éditer]

Art moderne[[[[éditer]

Types de peinture[[[[éditer]

allégorie[[[[éditer]

L'allégorie est un mode de représentation figuratif qui donne un sens différent du littéral. L'allégorie transmet son message à travers des figures symboliques, des actions ou des représentations symboliques. L'allégorie est généralement traitée comme une figure de rhétorique, mais une allégorie ne doit pas nécessairement être exprimée dans le langage: elle peut être dirigée vers l'œil et se retrouve souvent dans la peinture réaliste. Un exemple d'allégorie visuelle simple est l'image de la grande faucheuse. Les spectateurs comprennent que l'image de la grande faucheuse est une représentation symbolique de la mort.

bodegón[[[[éditer]

Dans l’art espagnol, un bodegón est une peinture de nature morte représentant des prêteurs sur gages, tels que des victuailles, des jeux et des boissons, souvent disposés sur une simple dalle de pierre, ainsi qu’une peinture avec une ou plusieurs figures, mais des éléments importants de nature morte, généralement vus dans les cuisines ou les tavernes. À partir de la période baroque, ces peintures sont devenues populaires en Espagne dans le deuxième quart du 17e siècle. La tradition de la nature morte semble avoir commencé et était beaucoup plus populaire dans les bas-fonds contemporains, aujourd'hui en Belgique et aux Pays-Bas (artistes flamands et hollandais), qu'elle ne l'a jamais été dans le sud de l'Europe. La nature morte du Nord avait de nombreuses sous-limites: frokostbit a été élargi par Trompe-l & # 39; l'œil, le bouquet de fleurset Vanitas. En Espagne, il y avait beaucoup moins de clients pour ce genre de chose, mais un type frokostbit est devenu populaire, avec quelques aliments et vaisselle posés sur une table.

Figure Peinture[[[[éditer]

Une figure est une oeuvre d'art dans n'importe laquelle des peintures dont le sujet principal est une figure humaine, qu'elle soit habillée ou nue.
La peinture de figure peut également faire référence à l’activité consistant à réaliser un tel travail. La figure humaine est l’un des sujets contrastés de l’art depuis les premières peintures de l’âge de pierre et a été réinterprétée dans divers styles au cours de l’histoire.[46] Peter Paul Rubens, Edgar Degas et Édouard Manet comptent parmi les artistes les plus en vue.

illustration peinture[[[[éditer]

Les peintures d'illustrations sont celles utilisées comme illustrations dans des livres, des magazines, des affiches de théâtre ou de cinéma et des bandes dessinées. I dag er det en økende interesse for å samle og beundre de originale kunstverkene. Ulike museumsutstillinger, magasiner og kunstgallerier har viet plass til illustratørene fra fortiden. I den visuelle kunstverdenen har illustratører noen ganger blitt ansett som mindre viktige i forhold til fine kunstnere og grafiske designere. Men som et resultat av vekst i dataspill og tegneserier, blir illustrasjoner verdsatt som populære og lønnsomme kunstverk som kan skaffe seg et bredere marked enn de to andre, spesielt i Korea, Japan, Hong Kong og USA.

Landskapsmaleri[[[[éditer]

Landscape painting is a term that covers the depiction of natural scenery such as mountains, valleys, trees, rivers, and forests, and especially art where the main subject is a wide view, with its elements arranged into a coherent composition. In other works landscape backgrounds for figures can still form an important part of the work. Sky is almost always included in the view, and weather is often an element of the composition. Detailed landscapes as a distinct subject are not found in all artistic traditions, and develop when there is already a sophisticated tradition of representing other subjects. The two main traditions spring from Western painting and Chinese art, going back well over a thousand years in both cases.

Portrait painting[[[[éditer]

Portrait paintings are representations of a person, in which the face and its expression is predominant. The intent is to display the likeness, personality, and even the mood of the person. The art of the portrait flourished in Ancient Greek and especially Roman sculpture, where sitters demanded individualized and realistic portraits, even unflattering ones. One of the best-known portraits in the Western world is Leonardo da Vinci's painting titled Mona Lisa, which is thought to be a portrait of Lisa Gherardini, the wife of Francesco del Giocondo.[48]

Still life[[[[éditer]

A still life is a work of art depicting mostly inanimate subject matter, typically commonplace objects—which may be either natural (food, flowers, plants, rocks, or shells) or man-made (drinking glasses, books, vases, jewelry, coins, pipes, and so on). With origins in the Middle Ages and Ancient Greek/Roman art, still life paintings give the artist more leeway in the arrangement of design elements within a composition than do paintings of other types of subjects such as landscape or portraiture. Still life paintings, particularly before 1700, often contained religious and allegorical symbolism relating to the objects depicted. Some modern still life breaks the two-dimensional barrier and employs three-dimensional mixed media, and uses found objects, photography, computer graphics, as well as video and sound.

Veduta[[[[éditer]

A veduta is a highly detailed, usually large-scale painting of a cityscape or some other vista. This genre of landscape originated in Flanders, where artists such as Paul Bril painted vedute as early as the 16th century. As the itinerary of the Grand Tour became somewhat standardized, vedute of familiar scenes like the Roman Forum or the Grand Canal recalled early ventures to the Continent for aristocratic Englishmen. In the later 19th century, more personal impressions of cityscapes replaced the desire for topographical accuracy, which was satisfied instead by painted panoramas.

Se også[[[[éditer]

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Lire la suite[[[[éditer]

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  • W. Stanley Jr. Taft, James W. Mayer, The Science of Paintings, First Edition, Springer, 2000.


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